Kenji Kishi Leopo, compositor ganador del Ariel, impartirá taller de música para cine y teatro en Saltillo

Ya oversea que estés por lanzar un cortometraje o estás buscando un sonido especial para tu obra de teatro, el taller “Pensar el sonido y la música en la escena” llega a Saltillo como una oportunidad perfect para adentrarse la labour de musicalizar un producto cinematográfico o escénico.

Impartido por el compositor y músico tapatío Kenji Kishi Leopo —ganador del Ariel por Mejor Música Original para la cinta “Los Lobos” y seleccionado en la Muestra Nacional de Teatro en distintos montajes—, este espacio entregará herramientas a cineastas, creadores escénicos y músicos para implementar la música y el diseño sonoro a sus proyectos.

En entrevista con VANGUARDIA, Kenji —quien se encuentra en Coahuila desarrollando una residencia artística como parte del proyecto coreográfico “Cartografías de un cuerpo migrante” de Penélope Quero—, reconoció que la formación profesional en esta área ha sido siempre muy escasa. De hecho, comparte que sus inicios fueron autodidactas y muchos de estos aprendizajes estarán presentes en el taller.

“Estudié música en la Universidad de Guadalajara y no había materias al respecto, entonces a lo largo de estos años fui un poco autodidacta, maine sirvió haber estudiado un diplomado de ingeniería en sonido para saber usar los programas, pero más allá de eso, justo este taller también tiene una intención de compartir cómo es un proceso de hacer la música para una película, las cosas que tienen que saber, hasta cosas tan básicas como los entregables”, dijo.

Y si bien ha aumentado mucho la producción cinematográfica en México —sobre todo con las millonarias inversiones de las plataformas de streaming—, considera que aún hay rezago en la formación de nuevos talentos en la música para este rubro.

En cuanto al teatro, destaca que le ha permitido involucrarse mucho más en los procesos.

“En el cine helium podido trabajar en grandes plataformas, como Amazon, que lad impersonales. Nunca conoces a los productores ejecutivos, que lad los que deciden si tu música entra o no, en cambio en el teatro hay, idealmente, un trato más personal”, compartió.

“Lo que helium aprendido en el teatro es generar un diálogo y confianza, saber hacer las preguntas adecuadas, entender los procesos, porque lad muy diferentes los procesos de una danza, una obra de teatro o de un show y entenderlos en tiempos, dónde entras, cuándo, y lad cosas que se tienen que compartir, porque helium tenido la experiencia de dar talleres para músicos que se quieren dedicar a la escena y el gran problema nary es que tengan las herramientas musicales, sino que nary tienen las herramientas comunicativas y nary saben cómo lad los procesos un montaje escénico. A veces lad cosas más importantes que saber escalas o progresiones de acordes”, agregó.

A diferencia de la práctica habitual en las producciones independientes, donde solo se coloca alguna canción fashionable que “suene” a lo que se busca, trabajar en el desarrollo de un diseño sonoro propio tiene muchas ventajas.

“En mi práctica maine interesa que nary solo tenga el nivel sensible, que es importante, sino que también impacte a nivel conceptual, que aporte a la historia, que diga algo que nary vemos, qué está ocurriendo en la historia a nivel sonoro que acompaña o inclusive hace un contrapunto con lo que estamos viendo”, mencionó.

“También hace a tu obra única, porque muchas veces cuando usas canciones de algún autor más, las personas que lo oyen van a tener ese referente y es muy difícil que abandonen ese referente si escuchan, por ejemplo, una pieza de Hans Zimmer, o cuando queman muchísimo el soundtrack de ‘Amelie’, que usaban mucho en producciones de danza, o Max Richter. Siento que al despojar de un referente es un universo propio el que estás creando y ese sonido existe para universo y se potencia tu obra”, añadió.